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抗日油畫論文范文 第一篇

一、油畫語言是畫家表達審美情意的一種工具

油畫語言的表達的歷程即是油畫藝術的發展變化。一種藝術語言的轉換，在一定程度上影響到人們的思維方式，并進而轉變了人們的觀察方法和審美理念，從而不同程度地推動了其自身的發展。是畫家進行形象思維并把這種思維轉化為無聲的東西的手段。藝術思維是注入藝術家個性的思維，想法的不同在相當程度上決定著油畫表達的個性，所以，一個沒有獨立思考能力的人，一個不會用自己的眼睛去觀察，不會用自己的頭腦去認識世界的畫家，他的繪畫語言最多是熟練和模仿，熟練地陳詞濫調和鸚鵡學舌，是畫不出優秀的、新穎的、獨具個性的作品的。在藝術多元化的世界文化發展的進程中，藝術個性得到了拓展，繪畫語言也隨之得到了發展，油畫語言表達體現了畫家個性特質和審美傾向。在語言的運用上，因受不同的因素的影響，而形成的以不同特色的語言形式反映在畫面上的特性。最后通過藝術家品性、不同的生活環境在各畫家油畫創作中的體現也有所不同，就形成了不同風格。事物是畫家所存在的這個真是的世界，油畫語言是畫家的精神追求與情感表達的方式，通過某種藝術語言形式的展現，在油畫作品中呈現的油畫語言作為審美符號所出現。把客觀事物通過油畫語言所展現，通過心靈對外界的感性把握，使其具有精神思考與啟迪的特點。印象派時期的大師梵高，他的油畫作品《麥田與收割者》他試圖用色彩去揭示精神，用了很耀眼的金燦燦的黃色來表達收割時人們喜悅的心情。用短而有力的筆觸來傳遞那種收獲的情感，在他筆下那強烈的色彩清晰的點旋轉運動和夸張的變形的形象作畫更生動了表現了他的作畫心情和他要表達的情感。

二、藝術個性已經成型的畫家

他的繪畫語言已經形成了獨具風格的藝術特色。藝術風格的形成，除了畫家的自身知識素養之外，主要靠平時的生活的積累與藝術的實踐，只有這樣積累生活，在發現與表現人的思維的時候時，才能認藝術的獨特性對于一個畫家的重要，包括自己用怎樣的繪畫語言以表達自己所獲取的審美語言又用怎樣的方式。當代畫家任傳文的作品大多冷色調，清雅、靜謐，充滿童真與性靈的悸動，般若禪意的流貫。《秋聲》是早期代表作，此時造型工整細致，但手法已體現出精神性探索。畫面上方，一線風箏逸出藍空，兩旁魚兒般云朵滿懷意趣；中間，幽藍湖水，倒映黃樹林，左側紅磚房，前邊白褐樹，每一筆通靈般描繪細致；一男孩手舉紙風車，奔跑于金燦燦路上，這兒時，旋轉畫布上，竟有莫名喜悅與感動。我認為畫家存在的意義是畫家不僅僅能夠在平凡淡泊的歲月里和司空見慣的事物中喚出某些心靈深處的特別的情感，而更在于他能夠在其中發現一種嶄新的藝術語言，并不遺余力地去實現它。任傳文先生就做到了這一點。他的每一幅畫都是一個真實情感以一種與之相吻合的特別形式的袒露，形成了他獨具特色的藝術語言。在筆者多年的習畫過程中，當然也有自己的看法，要形成自己的繪畫語言，也離不開借鑒，模仿為了學步，一旦能獨立行走，掌握了方法，就應當拋棄掉。甚至有意回避掉。繪畫中的個性不是絕對的以自我為中心，繪畫語言也不能特殊很神秘或沒人知道。我們所提倡的藝術個性，應與人民大眾的審美要求相契合。每一個藝術創作都是時代的產物，都遵循著某種藝術原則，適應人的審美需求。藝術家拿出自己對生活的看法，通過藝術思維轉化為繪畫語言。繪畫語言既是表現對象、表達情感的手段，也是畫家和觀者審美交流的橋梁。要使畫家在思想感情上發生共鳴，進行心與心的交流，這種共鳴和交談應該是獨特的，是積極向上的、健康的、真摯的、高尚的。畫家不可能和所用的觀者產生共鳴，因為每個人的興趣愛好，審美，藝術素養，欣賞習慣都是不一樣的，畫家永遠不可能也不必要去追求人人滿意的繪畫效果，要爭取人們熱愛生活和藝術的繪畫效果。藝術家應該是時代的領航者，他有義務提高和引導觀者審美能力和趣味的責任，通過自己的語言傳出畫者的心聲。

三、結語

綜上所述，只要你熱愛生活，熱愛藝術創作，熱愛這片土地，永不停歇的去探索屬于自己的繪畫語言，屬于你自己的藝術特色，我相信你一定能畫出只屬于你自己的獨具特色的為人所歡迎的畫作。

抗日油畫論文范文 第二篇

1959年，年僅28歲的詹建俊創作出表現重大歷史題材的經典之作《狼牙山五壯士》，畫作描繪的是抗日戰爭時期五位八路軍戰士在寡不敵眾的情況下頑強戰斗，直到打光最后一顆子彈毅然砸槍跳崖的英勇場面。

創作中，詹建俊選用了金字塔式的三角構圖：把xxx員、班長馬寶玉放在畫面最前面，以表現他寧死不屈的精神；將副班長葛振林置于最高處，以體現出他不可征服的氣概；并在對胡德林、胡福才、宋學義三名戰士的刻畫中強調了對于敵人的仇恨與蔑視。通過這樣的人物組合，《狼牙山五壯士》凝聚成整個群像大義凜然的英雄氣魄，塑造出5位八路軍戰士紀念碑雕塑式的英雄群像。

抗日油畫論文范文 第三篇

（一）形成初期

據史料記載，在十四世紀之前，油畫還沒有產生，人們在作畫時采用的是最為簡單的“調和法”，“調和”的材料主要是“顏料”“蠟”“動物膠”，有的人則將“顏料”和“蛋黃”攪拌在一起。直到十四世紀末和十五世紀初，荷蘭的凡·愛克兄弟充分借鑒了前人的作畫經驗，并進行了多次的實驗，發現了一種新的“調和劑”，即亞麻油、核桃油。用這二者進行油畫創作，其優點較多：一是顏料干燥，時間適中；二是顏料干透后牢固性強，色彩相對穩定；三是畫面保存期久，在創作油畫時也相對便捷。正因為如此，這種“調和劑”瞬間傳遍了歐洲各個角落。后來，隨著時代的變遷，十六世紀的威尼斯畫派人物提香把目光轉移到了“色彩”的運用上，注重以“色彩”來表現“形體”，同時，強調了對古典油畫中人物內心世界的洞悉和挖掘。在表現手法上，提香沒有依賴于“線條”來塑造畫面形象，其重點在于依靠“色彩”來表現自己的畫中內容，一舉促成了歐洲古典油畫初期的形成。

（二）發展時期

到了十七世紀，歐洲古典油畫取得了迅猛發展的驚人時期，其在各個國家都呈現出了蓬勃發展的繁榮景象。在當時，各國畫家都能從自身生活實際出發，從多個角度來深挖歐洲古典油畫的文化特質，大大地拓寬了古典油畫的題材范圍，既提及歷史等內容，也包含個人或群體肖像，還涉及風景畫和各民族民間風俗畫。在繪畫技巧上，更是日益成熟，進而形成了不同的歐洲古典油畫學術流派。法蘭德斯的魯本斯、荷蘭的倫勃朗、西班牙的委拉斯貴支都發展了提香的油畫技法，能夠熟練地將“素描”與“色彩”進行相結合，且自成油畫技藝體系，足以說明其古典油畫創作水平的高超。之后，意大利的卡拉瓦喬強化了古典油畫的“明暗強度對比”，使油畫中的光線更加強烈；西班牙的格列柯采用了凝重的色彩，令各種色彩相互擠壓滲透，撲朔迷離，極其富有神秘感；荷蘭的倫勃朗注重人物精神狀態的展示等，都使歐洲古典油畫藝術的發展更上一層樓。

（三）新古典主義時期

從十八世紀開始，歐洲油畫進入了新古典主義時期，一直持續到十九世紀初，這股思潮在人類繪畫藝術史上留下了輝煌的一頁。在當時，歐洲新古典油畫以法國古典主義思潮最為流行，曾盛行一時，后來又逐漸地發展成官方學院派藝術，其經典之處在于對“素描感”與“塑造感”的追求。大體上講，歐洲新古典主義油畫旨在深層次地挖掘古典油畫藝術的“理想美”，既重視對“古典風格”的追求，又強調“理性”與“自然”的完美結合。在代表人物方面，歐洲新古典主義油畫的代表人物是大衛，其貢獻尤為突出，而最后一位官方學院派的古典主義大師是安格爾，其作品也受到了世人的喜愛，也為歐洲古典油畫藝術劃上了完美的句號。

抗日油畫論文范文 第四篇

歐洲古典油畫的技法基本上都呈現出比較單一的傾向，以簡約風格為主，采用了兩個重要的方法：一是“丹培拉”畫法，二是“演變”的直接畫法。對于“丹培拉”的畫法而言，它可以說是最為古典的油畫畫法技巧，主要是通過雞蛋清和但馬膠進行融合，即通過間接的手法進行調色。比如，在有色底上提白，以便實現“素描”效果，再進行反復的色彩罩染處理，而到了最后也逐漸出現了直接調色的作畫技巧。大體上講，歐洲古典油畫具有四大基本特征：一是“寫實”畫法的運用，即所畫作品的事物與實物基本類似，僅僅依靠“光”和“影像”來稍作修飾；二是“大色塊”的色彩表現，即常常采用鮮明的民族風格進行繪畫，把關注的重心由對整體的關注轉移到了對局部的關注；三是“細致”的筆法運用，即對局部事物呈現的筆觸處理非常謹慎，每一筆都極其細致，容易集中“色塊”，使色彩在畫面上很具有整體感，從而讓物象更具有焦聚感，顯得更加形象、逼真；四是堅持“以寫實為主”的繪一理念，讓古典油畫創作更加接近現實生活，以此從現實生活中發現藝術，強調了對“真實存在事物”的臨摹，不再以“寫生油畫”為主，開啟了歐洲古典油畫創作形式的新紀元。從歐洲古典油畫的基本特征可以發現，其在有限的技術條件下，所產生的人類智慧是不可估量的，其藝術傳承價值也是不言而喻的。

抗日油畫論文范文 第五篇

論文摘要：由于不同的理解和創作方式，油畫語言表現形式的多樣性展現了畫家精神世界不同的維度。為了更深入體察油畫藝術的創作過程，文章從表現對象、本體語言和表現形式三個方面，對油畫創作實踐過程中的體驗與反思進行了闡述，深入探討了體驗的方法和反思的必要性。

論文關鍵詞：油畫創作 體驗 反思

油畫，作為架上繪畫的一種表現形式，具有豐富的表現力和極強的包容性，從表現的材料的物理性來看，油畫具有其他畫種無法替代的趣味性，深受廣大觀眾的喜愛。油畫在我國發展的歷史不是很長，但它早已成為我國繪畫表現形式中的主力軍。在學習油畫的20余年里，筆者作為油畫學習者中的一分子，至今還不能算是入門，自身感覺學習油畫除了需要極高的天分之外，還需要用心、深入地體驗與反思。油畫創作離不開對表現對象和本體語言的體驗與反思，離不開對表現形式的探索與反思。

一、對表現對象的體驗與反思

表現對象是油畫創作的內容，是創作中無法回避的研究課題，它可以是具體的，也可以是意象的，更可以是抽象的。無論畫作是具象的、意象的還是抽象的，都必須經過畫者頭腦的體驗與反思，才可能形成具有感染力的繪畫作品。首先，畫家要對寫生的對象進行深入地察，從人物的外表（性別、年齡、衣著、色彩、姿態）到人物的內心世界（氣質、性格、表情）等。筆者曾經聽一位老師說過一句話，至今記憶猶新，他說，在觀察事物的時候，我們的眼睛要像餓狼一樣敏銳、貪婪，不要放過每一個細節。

人物是我們最熟悉不過的客體，但最熟悉的往往在視覺中成為視而不見的對象，我們的認識往往容易落入概念的窠臼和表面。對于大部分人來說，他人的存在只要我們感覺得到并使自己有安全感就足夠了，無需觀察他們的形態和特征。但是，若要把人物搬到畫面上去，不仔細觀察是不能完成的。深入地觀察不但要入木三分地把握每一個細節的變化，還要注意體會其中的聯系以及各個部分相互間的影響。

美國畫家基蒙·尼克萊代斯著名的素描教學法就十分強調視覺與觸覺的結合，他倡導一種素描的寫生方法叫盲畫，就是不看畫紙和畫筆，眼睛緊盯著描繪對象的體型輪廓，目光緩慢地隨著對象的形體輪廓移動，手中的筆也隨著目光的移動而移動，目的是訓練畫者學會用目光去觸摸對象。剛開始用這種方法練習時，筆下畫出來的物象一開始是完全走形的，但盲畫出來的線條不像平時畫出來的線條的樣子。經過一段時間的訓練之后，盲畫的準確性在提高，最重要的是感知逐漸深入了，不再停留在浮躁的階段。一些有成就的畫家在談到體驗表現對象的過程時，總是強調要充分而全面地調動身體的所有感官，同時，把視覺上的深入觀察運用到極致。筆者的老師鐘以勤先生曾告誡我們：觀察對象的時候要學會用目光觸摸，用目光體驗對象的質感和細微的起伏、轉折關系，甚至要體會對象的溫度和體內的脈搏，要想象你的筆觸是在對象身體的表面上移動，讓自己身心感受融入到對象中去。

但是，僅僅是這樣的體驗和感知是不夠的，這不過是對物體知覺的常識性觀察，這樣的觀察使人很容易陷入客觀主義思維的模式，被自然對象牽著鼻子走，成為自然表象的奴隸。觀察要融入到對象中去，反思卻要能跳出對象。畫畫不同于照相，并不是把客觀現實完全照搬到畫布上去，即便是對景寫生，表現的也只是相對正確的關系。因此，這個表現的過程就是一個主觀處理的過程，主觀處理的過程就是反思。觀察不僅要深入揣摩表現對象的本質特征，同時還要擺脫表現對象客觀實在對藝術表現的束縛，打破普通視知覺的經驗和常規，從對客觀對象的觀察中尋找屬于自己的獨特視角，避免流俗或雷同。面對不同對象的寫生，體驗會不同，反思也就大相徑庭。對客觀事物體驗的方面不同，個人反思的取向不同，得出的結論即呈現的畫面效果也不同，也就造成了千人千面的風格。

二、對本體語言的體驗與反思

油畫本體語言潛藏著無限的可能，并通過畫家對材料創造性的理解和使用方式產生不同的藝術效果。油畫本體語言包含了顏料、媒介、基底材質、筆觸等多方面的綜合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都會對語言的表達產生阻礙。因此，對油畫本體語言深入的感知體驗也是一個不可或缺的環節。對油畫本體語言的體驗從初學到入門以及從入門到揮灑自如要經歷十分漫長的過程，對于個別有天賦的畫家來說這個階段可能會短一些，但更多的人都經歷了數十年的探索與實踐，才能真正把握其性能特點。

繪畫材料進入到藝術創作的語境中改變了身份，它們不再是單純的材料，而是被賦予了一種寓意、象征和存在的價值的本體語言，成為畫家自我的延伸。一般在創作前，畫家對選擇運用的媒材都會預設一個基本效果，但對創作過程中產生的變化未必能完全控制或把握，因此，必須要及時總結經驗，進行必要的反思，以達到熟練掌握和控制所運用的媒材，確切傳譯個人語義，從而達到實現自我表達的目的。畫框作為油畫的依托和載體，內框與畫布質量的好壞，直接影響作品的質量。許多大城市的畫家已經不再自己繃畫布、制作畫底，這個環節的省略可以為畫家節約許多時間。然而筆者認為，如果從學習油畫開始就從來沒有經歷自己動手做底的過程，一般是很難發現基底材料對作品影響的奧秘的，也很難找到適合自己繪畫表現的載體。要深入了解繃畫框的程序，并可以根據自己繪畫的要求對畫布質地進行挑選，對畫布基底材料的性質有選擇地制作，是保證創作順利完成的前提。

就單純的'物質特性而言，油畫顏料的色性穩定，卻因不同的使用者和不同的使用方法而千變萬化。單就調色的順序不同、敷色的厚薄不同、筆觸的肌理不同、運筆的方式和力度的不同，油畫顏料都會由此而產生不同的結果，其豐富微妙的變化需認真體察并加以總結才能逐步掌握運用。初學油畫的時候很容易被其穩定的色性所蒙蔽，認為油畫沒有干濕變化會比較好把握，通過一段時間的學習才發現其實不然。認識、理解了油畫本體語言的意義也將在畫面上實現表達的意義。油畫與生俱來的包容性，更加擴展其語言表達的可能性。在最近的十余年里，中國的油畫家們在油畫媒介與材料方面做了大量的探索，取得了長足的進展，使油畫這個架上繪畫表現形式在中國的發展還方興未艾。

三、對表現形式的探索與反思

表現形式是作品主題的藝術思想闡發的最重要的方式，形式語言比直接的說教更具力量。重構是藝術家對既有的繪畫形式的探索和反思，它具有兩種基本特征：一是創作觀念上的“形式自律”和“主觀創造”；二是藝術家發揮主觀創造性，在作品中將自然形象解構，重新組織畫面結構，建構出一種非寫實的藝術形象。繪畫形式的探索和反思既滿足了藝術家的創作欲望，充分釋放藝術家的創造潛能，發揮藝術家的自主創造力，又促進了藝術風格不斷推陳出新，使藝術世界更加豐富多彩，滿足公眾多元化的審美需求。

被稱為“現代繪畫之父”的塞尚，在觀察自然和藝術創作實踐中，通過探索、反思、創作、想象，形成了個人的藝術主張：用圓柱體、球體、圓錐體來處理自然，其作品形成了概括性、結構性、秩序性、主觀性、自律性、重構性和創造性的鮮明特征，他是站在前人豐厚的積淀上開拓了新的藝術疆域。“塞尚一小步，藝術一大步”，這是對個人在形式語言上進行的探索反思取得的成果，推進著藝術發展進程的最好注解。

在當下紛雜的藝術思潮下，要取得油畫創作的新發展，不僅需要畫者放下急功近利的浮躁之心，保持堅持創作的恒心和定力，還需要畫者能潛心體察表現對象和油畫的本體語言，并對表現形式進行不遺余力的探索與反思。

抗日油畫論文范文 第六篇

一、油畫肌理的美感特征

二、油畫肌理的表現形式、方法

油畫肌理的表現形式、手法可以說是多種多樣的，但主要有隱性肌理和顯性肌理。隱性肌理需要借助一些必要的工具來發現，顯性肌理在正常光線下能給人一種視覺效果的肌理。油畫肌理的其他表現形式大致可以分為意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理廣泛用于油畫的創作之中，將繪畫的本質特征進行提煉，轉換為油畫善于表達的語言。抽象肌理是不再現所要表達的繪畫對象，而是繪畫者通過自己的理解、組織將其轉化成另外一種表現手法，是一種抽象畫的表現元素。具象肌理真實地反映繪畫的對象形制，其肌理形式是如實地表現出紋理的視覺特征。油畫具象肌理在寫實主義里表現的比較多，也會借用其他材質來增加其質感的表現形式。材料肌理是利用不同材料的物理屬性來表現的物理屬性，所關注的是使用材料本身的特性。油畫的表現方法有三種：直接繪畫法、邊畫邊做肌理、先涂底再繪畫。直接繪畫法是最傳統的繪畫方法，其繪畫肌理效果也是最常見的。在繪圖過程中肌理表現自然流暢，其肌理效果不會借助其他工具和材料；邊畫邊做肌理是表現比較厚重感的畫面時常用的方法。先畫一層，再用畫筆或刮刀涂上一層顏料，通過這種手法達到一種厚重的油畫肌理；先涂底再繪畫，一般是先用一些凝固快的材料來做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再繪圖。

三、油畫創作過程中肌理的運用

筆者在油畫創作過程中也會運用一些肌理來增加油畫的質感，但是總體目的就是使得畫面形成一種整體關系。繪畫時，在傳統油畫的肌理效果基礎上進行肌理制作更是自由，可以不斷嘗試利用各種新材料、新技法來制作油畫肌理。不過這些都源于制作肌理的材料多樣化，如赤鐵粉、鋸末、玻璃、石灰粉等均有使用。多種多樣的材料可以說繪出了千變萬化的油畫肌理效果。例如，筆者在油畫創作實踐中，使用丙烯或丙烯塑形膏和優化顏料一起制作畫面肌理效果，由于丙烯易干，在創作時還可以在顏料里面摻入沙子、鋸末等材料制作更夸張的肌理效果，以求得之前創作時未得到的油畫肌理效果。綜上所述，在油畫創作中肌理是一種重要的繪畫語言。筆者在繪畫創作中，通過利用新材料、表現手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出藝術精神內涵。筆者認為，在創作過程中，除了自己熟練掌握一些肌理處理方法外，還要時刻汲取傳統藝術的精髓，要學會不斷和自己的創作相融合。油畫雖然是從西方傳入中國的，但是通過國人的不斷學習、創新、改進，已經有很多優秀的、獨特的繪畫作品被創作出來。

抗日油畫論文范文 第七篇

我相信每個人都會有自己的心愿，每個人的心愿都會別具一格。有人想當軍人，有人想當老師，有人想當企業家，而我的心愿是當一名畫家。

有人會說，畫家是一個不不務正業的職業，除了畫畫其他什么都不會。我并不這么認為，我覺得畫家很酷，具備特殊的情感表達方式，想畫什么就能信手沾來，什么情感都可以從畫中流露出來。有一次上素描課，老師突發奇想，讓我們以素描的方式來臨摹一張梵高的自畫像。我不由得心里一驚，這可是一幅油畫啊！讓我們用素描的方式畫油畫，這不是在為難我們嗎？我看著老師給我們的圖紙忐忑不安，平時畫技還不錯的我真不知道從何畫起。我反復擦畫，用了整整三個小時在那里臨摹。手酸得不行了，但畫不出想象中的效果。同學們個個都向老師訴苦“我們太難了”。這時，老師終于打破了寧靜，語重心長地對我們說：“這不是畫難不難的問題。素描也好，油畫也好，水彩也好，你要想學好畫畫，就得有顆愛畫畫的心。畫得難看沒關系，重要的在于你有沒有用心在畫，要學會觀察，學會用平靜的情緒來面對。畫的過程，也是個人修為的過程”。聽了老師的話，我茅塞頓開，幾經修改后終于完成了老師的作業。

我佩服畫家們能畫出令人賞心悅目的畫，為人們展示了對美好生活的向往；佩服畫家能用簡單的畫筆，勾描出塵世喧囂中僅存的那份清凈。因此，我也想成為一名畫家，去探索那無窮的美術奧秘。

抗日油畫論文范文 第八篇

（一）油畫的選材

歐洲古典油畫的藝術魅力在于其藝術表現的獨特性，其中，一個明顯的藝術表現在油畫的選材方面。一般來說，歐洲古典油畫注重整個畫面的“明度對比”，以至于“色彩”的運用相對單一，主要以“素描”為中心，“色彩”為輔，確保整個形體看起來比較“真實”。在具體的繪畫過程中，古典畫家經常會采用“明調”與“暗調”相結合的手法，以此實現古典油畫創作的“整體性”效果。正因為其選材獨特，使中國現代油畫也在很大程度上借鑒了其繪畫色調的一些創作特色。比如，《藍衣少女》就以“歐洲古典油畫”的形式進行作畫，側光層次感強，同時，帶有一定的厚重感，運用“樹葉”來陪襯整體畫面效果。這樣一來，可以讓觀眾看到以拉斐爾為代表的前派古典油畫創作的影子。

（二）油畫的構圖

與中國油畫藝術不同，歐洲古典油畫創作注重“構圖”的含蓄性，強調了對人物姿態的合理構造。大體上講，歐洲古典油畫在構圖方面呈現出了“沉穩”的基調，形成了“金字塔式”的構圖，總是能向觀眾展示出以“正側面半身坐姿”為主的畫面人物動態。從歐洲古典油畫的構圖形式來講，著重強調了對人物的“臉部”“胸部”“手”等的描繪，同時，在畫面結構上做好布置好色彩，突出色塊的獨特性，以便讓整個油畫的結構給人帶來一種“主次分明”的感覺。例如，在歐洲古典油畫作品《蒙娜麗莎》中，就是采用這樣的油畫構圖藝術表現方法，才使畫中的人物形象更富有活力，給人帶來一種無比美的視覺感，可以說，“空氣透視法”是《蒙娜麗莎》獨特的畫面塑造技巧。

（三）顏色的穿插

歐洲古典油畫的藝術表現在色彩運用上也十分突出，尤其是在罩染過程中對顏色的穿插顯得格外成功。在顏色的穿插方面，強調了色彩不能單獨地形成畫面效果，而要與其他色彩聯系起來，相互映襯，共同突出油畫作品的色彩表達效果。例如，在歐洲古典油畫的底層涂罩時，其顏色要擦入筆觸，往往通過底層肌理的起伏來填入顏色，最終目標是為了形成“相互交織”的顏色變色格調。實際上，這種色彩也被稱之為“色垢”，是倫勃朗的古典油畫創作技巧的重要特色，該技巧強調了繪畫人員要擅長使用“軟布”“海綿”“手”等輔助物來擦色、抹色和揉色。值得注意的是，罩染時，不可填入“白色”，原因是一旦填入“白色”，就會讓色彩喪失透明度。

（四）畫面的保護

當然，一幅古典油畫作品的成功完成，耗盡了畫家的許多心血，確實是一件不容易的事情，這就要求做好油畫畫面的保護工作。其實，歐洲古典油畫的畫面保護也呈現出了自身獨有的藝術表現力，最早是通過“干性油”來保護畫面，其效果在于能讓畫面更富有光澤，增強其鮮明度。后來，隨著社會的發展，歐洲古典油畫畫家則開始使用“相互融合的顏料”，即“油料”與“顏料”混為一體，然后，在畫面底子上作畫。最為重要的是，“干性油”的保護法豐富了歐洲古典油畫畫家的創作技法，以至于形成了“透明”與“半透明”的畫法都離不開“油料”的配合，這些都是保護歐洲古典油畫畫面的重要藝術技法。

抗日油畫論文范文 第九篇

《公元一千九百四十五年九月九日九時·南京》是畫家陳堅花費十年心力的鴻篇巨制，該畫描繪了抗日戰爭勝利后日本遞交投降書的莊嚴場面。

畫面莊嚴肅穆，正中央從左到右是按英、美、中、蘇（事實上是按美、中、英、蘇）的先后順序從中間向兩邊展開的。畫面中包含了近似于真人大小的200多個人物，場面宏大，畫家通過正面的紀實手法真實再現了抗日戰爭勝利后，日本xxx向我xxx民投降的場面。

畫作凝重莊嚴，視覺沖擊力極強，向世人展示著那段歷史中的正義和罪惡。達到了思想性、藝術性、觀賞性的完美統一。

抗日油畫論文范文 第十篇

在這個世界里，在我們的關于油畫創作感想生活中，良多美妙的聲音是我們聽到的，但是也有良多聲音是我們看到的，想像到的，我畫的花卉就是我看到的美妙的聲音，這些聲音讓我感覺到生命的語言，所以我禁不住把這樣美妙的聲音，無比動人的花語用色彩擺放在我的畫布上，任憑涌動的心緒通過畫筆、刮刀在畫布上橫涂豎抹。刀跡、筆痕交替游走，從構圖到著色，從畫面色層銜接到筆觸變化，倘若間或有幾筆似靈光閃現正合胸臆，心中便升騰起無邊的快樂。

我會努力把喜愛的畫家筆意帶入，由于深知脫離前輩的積累乃無水之源。我喜歡對比色，檸檬黃加白的輝煌奪目，熟褐加土黃的沉穩而不失強烈熱鬧——這樣的畫面響亮打眼。我又會試圖把每一幅作品拉開色調，爭取給人以不同視覺感慨感染。刮刀是我的重要“武器”，我的畫面中大部門竟會依賴它來完成。筆法的豐碩會讓畫面增色不少，追求多方向的筆觸變化，畫畫對我來說是一種精神旅行，是件快樂的事。好與壞，只要真誠表達就行。

我熱愛油畫創作，喜歡以印象派表現手法來體現我的畫風，那些沐浴在光線中的天然景色和光與色在瞬間相遇的感覺深深的吸引著我，我將盡可能的把這種瞬間感覺經驗轉化為感情狀態。

我畫花卉的時候感覺到，每一種花草都有自己的語言，都有自己的性格。花開花落都是詩一般的感覺，不管是嬌艷迷人具有誘惑力的xxx花仍是出于淤泥而不染的荷花或是具有頑強生命力的格桑花，蘆葦花，它們都用生命的語言訴說著自己的故事。我想畫的不僅僅是花卉，人物，動物，風景等油畫作品，而是但愿能把我看到，感慨感染到的各種可以表達思惟的聲音用繪畫的語言表現出來。我以為無聲的語言是最豐碩的，由于它賦予我們無限無盡的想像空間。人的思惟是自由的，藝術發展沒有底線，藝術的美與丑都因各個的賞識角度而不同。大芬村

糊口中我們所見的事物有太多次的打動，每一次另我們打動的事物我們都會用不同的方式把它們記實下來，我慶幸自己能用繪畫的方式來表達思惟，也不斷的在學習，鞏固這項技能，但愿能更清晰的把繪畫的思惟和語言傳遞給觀賞者。我喜歡旅行，想在良多錦繡的地方都留下自己的足跡，想采摘更多的美景，更多美妙的感覺，讓這些錦繡停留在我的畫面上與熱愛它們的人們共同分享，這該是我想不停的運用不同色彩和繪畫方法在油畫布上涂抹擺放的目的。藝術是人道的天然的流露，繪畫作品是有感而生的產物，我所要達到的畫面效

抗日油畫論文范文 第十一篇

與印象派之后畫家不同，古典畫家基本上都偏向于贊助人完成訂件。如果買賣中一方說話不算數，畫家就不會再消耗功夫在這方面，畢竟藝術家需要新的訂單傭金來支撐生活。一般來說，古典油畫大師們留下了沒有完成的三種作品：一是處于底稿階段的狀態，如《圣芭芭拉》《Harlequin》和《未完成自畫像》；二是畫面局部或大多已經接近完成，剩余部分為底稿階段，或者有的只余下輪廓的底色，像米開朗琪羅未完成木板蛋彩畫《曼徹斯特圣母》和《埋葬基督》，以及雨果·凡·德·古斯的《圣母、圣子與圣多默、圣若翰施洗者、圣葉理諾及圣路易》；三是還有一種為已經完成底層繪制，比如，魯本斯、布魯蓋爾的個別作品。正是因為有了各位大師們未完成的作品，才為我們揭示了大師繪畫色層的幾種狀態。仔細觀察歐洲古典大師達·芬奇、米開朗琪羅、揚·凡·艾克、蓬多爾莫、丟勒，直至當代畫家xxx和弗洛伊德等畫家的未完成之作，都是勾勒處理好基本造型后，然后以局部推進的方式進行深入塑造。例如，在18世紀，德國畫家安東·拉斐爾·門斯創作的一個抱著小狗的“貴婦肖像”，其中人物的衣著幾乎全部完成，華貴的衣裳也展示得熠熠發光，但是，人物頭部才開始進行了基本膚色和光影的刻畫，還有人物的“五官”僅僅有隱約朦朧的輪廓，對寵物狗的描繪也只是停留在了勾畫好了的外形上面而已。丟勒作品《SalvatorMundi》完成度與之接近，油畫中人物衣服的塑造也已經完成，人物臉部和手部以及手部上面的透明球體尚待進一步繪制表層顏色。如果說，這兩位畫家都是德國畫家，二者有著相同的繪畫系統，那么現代主義藝術大師xxx的《Harlequin》卻也意外地以傳統線影法先完成了歐洲古典油畫中人物的塑造，也有一部分畫家以直抒胸臆的筆法，直接使用油彩，粗略地勾劃、鋪設色彩，比如，馬奈、柯羅、丁托雷托等大師均是如此。不難發現，通過對歐洲古典油畫家未完成的作品的直觀觀察，再透過現代科技手段對古代作品的局部顏料顆粒做顯微觀察，則可以發現歐洲古典油畫大師們繪畫手段是以各種手法步步為營、層層鋪墊，通過上下色層的主動疊加，進而達到最終畫面需要的完美效果。實際上，這些色層的疊加，基本上都是以“三層”“四層”為主，這些色層的疊加大多數也是干燥之后的覆蓋，并隨著畫家技藝的熟練而使一些色層能夠趁濕完成。

抗日油畫論文范文 第十二篇

總之，藝術源于人們的日常生活，藝術也要為生活服務，繪畫主要是通過靜態的作品向觀眾展示生活的方方面面，給人以視覺的沖擊和心靈的震撼，從而教育人們深刻理解人生，懂得生命的價值及意義。作為繪畫藝術的起源地，歐洲擁有最為古老的油畫藝術作品，尤其是歐洲古典油畫更是彰顯了人類的無窮智慧和深邃的洞察力，才為后世人們留下經典的繪畫作品。本文著重討論歐洲古典油畫的藝術表現形式，旨在通過進一步了解其繪畫精髓，把握其繪畫的關鍵技巧，為現代油畫藝術創作注入古典元素，增強現代油畫作品的感染力。盡管歐洲古典油畫所處的時代較現代甚是遙遠，但是，它擁有現代油畫難以企及的功績，諸如其精準的造型、靜穆的畫面所帶來的理想美感，始終令世人贊嘆不已。當然，伴隨著科學技術的迅速發展，油畫所用的工具和材料都在持續更新，掌握歐洲古典油畫的藝術表現，有助于推動現代油畫創作藝術的高質量發展。

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